アーティストたちがCOVID-19がアート界にどのような影響を与えるかを再考

パンデミックが始まるずっと前から、人々は芸術作品から社会的距離を置いていました。美術館では、作品から1.8メートルほど離れて鑑賞するのが通例です。これはセキュリティセンサーによって維持されている距離であり、あるいは不信感を抱く警備員の怒りを恐れてのことです。しかし今、新型コロナウイルス感染症の影響で屋内空間への制限がさらに厳しくなり、芸術愛好家はスクリーン越しに、さらに遠くから作品を鑑賞することが多くなっています。

アート鑑賞だけでなく、アート販売もデジタル化が進んでいます。昨年、サザビーズはコレクターが仮想のオークションルームで入札を行い、競合相手を確認できるオンラインフォーラムを構築しました。また、厳格なオークションスケジュール外でも購入できる「今すぐ購入」機能も導入しました。このeコマースへの取り組みは、サザビーズにとって大きな経済的恩恵をもたらしました。2020年には、サザビーズのプライベートセールは15億ドルを超え、これはオークションハウスとしては過去最高額となりました。

しかし、アーティストにとって、ウェブへの移行は少々困難を極めました。額縁に入れた絵画や写真をインターネットで展示することは問題ありませんが、誰もがそれらの媒体を使うわけではありません。例えば、ブルックリンを拠点とするアーティスト、アニカ・イーは、藻類やバクテリアといった生きた物質を使った作品を制作しています（2017年の展覧会「Life Is Cheap」では、大工蟻から抽出した化合物とアジア系アメリカ人女性の汗のサンプルを組み合わせた特注の香りを使用しました）。「私のスタジオは感覚器官の中にあるので、画面を通してはうまく伝わりません」とイーは説明します。「JPEGの匂いを嗅ぎたい気持ちは山ほどありますが、まだその技術がないんです。」

だから、彼女は適応する。イーは、ロンドンのテート・モダンのタービン・ホールで開催される予定の委嘱作品の多くをリモートでキュレーションし、世界中に散らばる30人以上のチームとオンラインで共同作業を行った。イー自身は、これがこれまでで最も野心的なインスタレーションだと語っている。タービン・ホールは現在閉鎖されているが、10月に予定されている展覧会の開幕時には、先カンブリア時代、ジュラ紀、産業革命時代を想起させる「歴史的な香りの風景」に満ちた洞窟のような空間に、AI搭載マシンが集う様子を目にすることになる。知的かつ技術的に複雑な作品をリモートで設置するのは、イーにとって普段のやり方ではないが、チーム全員でロンドンに赴かなくてもよいことには環境面でも経済面でもメリットがあることに気づいた。そして、このメリットはロックダウン解除後も長く続くだろうと彼女は考えている。

サイモン・デニーもまた、キュレーション、特に観客体験に関するものを再考している。デニーの最近の展覧会「Mine」は、データマイニングと鉱物資源の抽出をゲームのように探求したもので、2020年にデュッセルドルフの物理的なスペースに登場した。Minecraft 内のオンラインバージョンもある。このプロジェクトは2つの媒体で存在するため、「Mine」ははるかに多くの観客に届き、そうでなければアート鑑賞体験を求めなかったかもしれないゲーマーがサーバーに集まった。それでも、デニーは、アートを実際に体験することが最高の方法だと言う。「こうした対面での体験は、実際にはますます価値が増すと思います」とデニーはパンデミック後の世界を思い描いて予測する。「おそらく私が最初に考えていたデジタルの選択肢の爆発とは対照的に、そうしたものを体験するための条件を作り出すことが重要になるでしょう。」

スクリーン上で燃え尽きてしまうアーティストがいる一方で、デジタルでソーシャルディスタンスを保ちながら制作するプロジェクトならではの利点を見出したアーティストもいる。例えば、インターネットはソーホーのギャラリーよりもはるかにアクセスしやすい。そして、インターネットは生きたキャンバスなのだ。「作品が一度で完成するという考えはもはや通用しません」とコンセプチュアル・アーティストのアニエスカ・クラントは語る。「作品は生き物のように進化し、社会や世界で起こる変化に物理的に反応するべきです」

クラントはこのコンセプトを、 Black Lives Matter、ポーランドの女性ストライキ、Extinction Rebellionなど、様々な抗議運動のメンバーのソーシャルメディアフィードのデータを用いて、絶えず変化する「絵画」シリーズ「 Conversions」（2019-2021）で実証しています。各作品はAIを活用し、数千もの投稿に込められた感情的なトーンを分析します。その情報はコンピューターシミュレーションを介して特製回路基板に送られ、銅板の上に重ねられた液晶層を加熱することで、インターネット上で表明される声のトーンに合わせて、色鮮やかな模様が絶えず変化していきます。

今日では多くのアート作品がインターネットによって動かされており、それらの作品を鑑賞できる場所が非常に少ない中で、なぜ物理的な作品を作ることにこだわるのでしょうか。デニーにとって、それはパンデミックによって引き起こされた容赦ないスクリーンタイムへの解毒剤なのです。「最初は『よし、デジタルでいい』という感じでした。私はテクノロジーに興味を持つアーティストですから」とデニーは回想します。「でも1ヶ月後には、『もうウェブサイトは二度と見たくない』と思いました。これまで以上に触覚や空間、物質性、物体に夢中になっていたんです。」クラントにとって、有形作品はギャラリーのスペースを占めることではなく、資本の再分配なのです。Conversions では、クリスタルの「絵画」が売れるたびに、利益の一部が元の投稿にインスピレーションを与えた社会運動に再分配されます。「アート市場から余剰資本の流れを逸らしたいのです」とクラントは言います。

パンデミックはミュージシャンにとって、さらに大きなハードルを突きつけています。ビジュアルアーティストとは異なり、ミュージシャンは満員のコンサートホールを埋め尽くす汗だくの観客を必要とします。フィービー・ブリジャーズやリアンヌ・ラ・ハヴァスといった歌手は、ファンとの親密さを再現しようと、寝室やバスタブから直接パフォーマンスを配信するようになりました。インターネット上ではこうしたコンテンツが好まれていますが、ライブショーの代わりにはなり得ないことは明白です。そしてミュージシャンもまた、クリエイターであると同時にソーシャルメディアのインフルエンサーでもあるという、不可能とも思える期待に応えなければならないという苦境に立たされています。

実験音楽作曲家のホリー・ハーンドンは、パートナーのマット・ドライハーストと共同ホストを務める新しいポッドキャスト「Interdependence」で、オンライン文化がアーティストに求めるものについて探っている。「私たちはインディーズアーティストという概念から脱却しようとしています」とハーンドンは言う。「クリエイティブ業界の未来は、独立したアクター同士が競い合うのではなく、相互に利益をもたらすことができる、アクター同士の相互依存的なネットワークのようなものになると思います」。クラントと同様に、ハーンドンは、不安定な経済の中でパフォーマーが生き残るためには相互扶助のシステムが不可欠だと考えている。ハーンドンは、これらの新しいネットワークは創造的なコラボレーションを促し、新しい才能の知名度を高め、アーティストが正当な報酬を要求できるようにすると説明する。ただし、これらはすべて、パンデミックが終息し、ミュージシャンが「とても気恥ずかしい」こともある自宅待機のライブ配信から解放されることが条件だ。

アーティストが作品を展示する新しい方法を見つけているからといって、ストリートアートが過去の遺物になったわけではありません。都市が新たな現実に適応していく中で、公共空間の再編は、一部のアーティストにとって作品を展示する機会を増やしています。ニューヨーク市を拠点とするChashamaは、不動産所有者に対し、空きスペースが賃貸されるまでアーティストに使用を許可するよう奨励しています。これは双方にとってメリットがあります。アーティストは必要なリソースを手に入れ、近隣地域では歩行者（つまり商店街）の増加が期待できます。

チャシャマ氏のモデルはコミュニティの創造にもつながり、非営利団体「プロブレム・ライブラリー」はサンフランシスコでこのモデルを再現しようと試みています。最近、折り紙とキャンバスを使った作品で知られるアーティスト、ヴァンハ・ラム氏が、自身が毎日手入れする大規模な屋内禅石庭を設置するというアイデアをプロブレム・ライブラリーに持ち込みました。同団体のディレクター、ブレイク・コンウェイ氏は、エンバカデロ近くの新築コンドミニアム「ミラ」の1階に彼女のスペースを見つけました。コンウェイ氏によると、このような大規模プロジェクトは「これらの空間で何ができるかという思考を広げる」とのことです。今可能であり、そして将来も可能となるのです。

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