写真や動画を専門家のように照らす方法

クリエイティブなツールを磨きたい愛好家でも、より多くの仕事を獲得するためにスキルを伸ばしたいプロでも、オフカメラライティング（つまり、カメラに取り付けていないフラッシュや定常光）を習得するのは、楽器や言語を学ぶのと同じくらい難しい場合があります。プロでさえ、一生かかるプロセスです。しかし、基本的な概念といくつかの安価なツールがあれば、驚くほど簡単に始めることができます。

具体的な製品の推奨事項については、 写真およびビデオ用ライトの購入ガイドをご覧ください。

光で書く

最初のステップは、照明がこの芸術の核心であることを認識することです。「写真とは 文字通り、光で書くことです」と、写真家であり照明インストラクターでもあるデイビッド・ホビー氏は言います。彼は15年間、世界中の写真家を支援するためにオンライン照明教育リソース「Strobist」を制作してきました。「自分に合った光を作り出す方法を学ぶことは、有能で多才な写真家になるための重要な基礎スキルです」とホビー氏は言います。さらに、照明によって技術的な問題を解決し、被写体にとって全く新しい環境を作り出し、カメラが自分の目で見た通りの光景を捉えることができるようになると付け加えます。「照明は、おそらく見る人の思考パターンを変える最も効果的なツールでしょう」と彼は言います。

しかし、これは目的地というよりも旅のようなものだ。「私は今も光について学び続け、新しいテクニックを試し、実験を続けています」と、ロサンゼルスを拠点とする象徴的な写真家、アート・ストライバーは語る。彼のポートレートやエディトリアル作品には、照明に対する驚くべき熟練度が反映されている。ストライバーは、写真アシスタントとして修行したり、写真学校に通ったりする必要はないと言う。「しかし、常にオープンマインドで、知識と経験を絶えず追い求め続ける必要があります」と彼は言う。「私はまだ学びを止めていませんし、クリエイティブアートに携わる私たち誰もが学びを止めているわけではないし、そうあるべきだとも思っていません」

照明に対する私たちの感情的な反応は、生涯にわたる日光との関わりに基づいています。「私たちは、生まれつき備わっている感情を扱っています」と、英国を拠点とする写真家であり写真教育者で、世界的なオンライン写真プラットフォームである Karl Taylor Education の創設者でもあるカール・テイラーは述べています。低い角度の光に夕焼けを思わせる色と強さが組み合わさると、ある感情が引き起こされます。一方、日の出を思わせる光は、ノスタルジア、憂鬱、希望など、別の感情を呼び起こします。影は神秘的な雰囲気を醸し出し、不吉にも魅力的にもなります。テイラーは、懐中電灯をあごの下に当てる子供を例に挙げています。光は私たちの脳が慣れている方向とは異なる方向から来るため、不気味に感じられます。

私たちはすでにこの感覚を心の奥底で感じているので、重要なのは、光に対する人間の根深い理解と、それに対する感情的な反応とのつながりを認識することです。「写真は芸術ですが、私たちの反応のほとんどは科学に基づいています」とテイラー氏は言います。彼は、写真撮影とは「科学的な部分を用いて、写真の感情的な部分を高める」ことだと説いています。

光を使って作曲する

ほとんどの写真家は、まずフレーム内の被写体を基準に構図を決めますが、科学的に見ると、見る人の心を最も惹きつけるのは照明の構図であることが分かっています。テイラー氏によると、私たちが画像を見るとき、まずコントラストが最も高く、最も明るい部分に引き寄せられます。そして、光に導かれるように、異なる明度によって視線が画像内を巡っていくのです。「構図よりも、光で作り出す構図の方がはるかに重要です」とテイラー氏は言います。

ショットを構図する際、ストライバーは常に「どうすれば読者の注意を引きつけ、ページから引き留められるだろうか」と自問する。「ページ」という言葉は時代錯誤のように聞こえるかもしれないと彼は認めるが、読者のエンゲージメントは紙からデジタルプラットフォームのアルゴリズムへと直接変換されると彼は言う。「（読者をページに引き留めるには）写真について、第一、第二、第三の読み方を視聴者に提供する必要がある」とストライバーは言う。彼の目標は常に、視聴者が自分の写真に立ち止まり、フレームの中に複数のレイヤーを作り、視聴者が探索できるようにすることで、視線をフレーム内を移動させ続けることだ。「そのニュアンスが心を掴み、心を掴むものなのだ」と彼は言う。

スキルはギアを超える

カメラ機材に夢中になり、最新のカメラ本体のスペックを比較したり、高価なレンズにうっとりしたりするのは簡単です。しかしテイラー氏は、こうした執着は往々にして、写真の魅力を決定づける要素を見逃してしまうと指摘します。彼によると、機材に執着する人々が最も誤解している写真撮影の側面は照明です。「彼らはガジェットマニアになり、構図の芸術性を理解し始めますが、光で作り出す構図を理解していないのです」とテイラー氏は言います。高品質な機材は確かに重要ですが、全く新しいスキルを習得するよりも、1秒あたりのフレーム数や絞り値にこだわる方が簡単なのかもしれません。「写真撮影は機材の問題ではありません。文章を書くのがキーボードの問題ではないのと同じです」と彼は言います。

照明の勉強を始めるもう一つの大きな理由は、より多くの、より大きな仕事を獲得できるようになることです。「映画制作に携わりたい人は、多面的な才能が必要です」と、コマーシャル映画監督のオースティン・ポールは言います。「商品映像制作における照明を理解することで、インタビュー、商品映像制作、コマーシャル、短編映画など、様々な仕事の可能性が広がります」と彼は言います。

世界を学ぶ

最初の実践的なステップは、日常生活で目にする様々な種類の光に注意を払うことです。ホビー氏は、周囲の世界を意識的に観察する訓練をすることを勧めています。「光はどの方向から来ているでしょうか？硬い光でしょうか？柔らかい光でしょうか？色は何色でしょうか？光源は複数ありますか？それらはどのように相互作用しているでしょうか？」

ホビー氏はまた、立ち止まって景色を眺めたくなるような光の種類に注意を払うことを勧めています。「そして、それぞれの状況において、すぐに次の問いかけをします。どうすればそのような光を作り出すことができるだろうか？」と彼は言います。こうした観察と問いかけを通して、「写真に望むあらゆる環境や感情を直感的に思い起こせる写真家」への道を歩み始めるのです。このプロセスこそが、自分に語りかける光の種類を発見し、独自のライティングスタイルを形成するのに役立つのです。

「光の美的感覚を自分なりに見つけるのは写真家一人ひとりの責任です」とストライバー氏は言う。しかし、そのためには基本を理解する必要がある。ストライバー氏は照明の基本を音楽や料理の基本に例える。「ピアノを弾くことはできますが、音階を知っていますか？ 野菜を切る方法は知っていますか？ ソテーの仕方を知っていますか？」定常光源を使用する場合でもストロボ（フラッシュ）を使用する場合でも、ストライバー氏は常に 3 つの点、つまり光の質、光の位置、光の強さを確認することから始める。「まず質から始めて、次に位置を調整し、最後に [強さ] を調整します」と彼は言う。「私はタレントよりも 3 ～ 4 時間先を進んで現場にいます。光をテストし、確定させ、被写体と過ごせるのは 1 時間かそれ以下ですが、これは私たちにとっては普通のことです。」

光の質は、光の色と光の柔らかさや硬さに関係します。

テイラーは、ソフトライトとハードライトの違いを説明するために、晴れた日の太陽光（ハードライト）と曇りの日の太陽光（ソフトライト）を例に挙げています。晴れた日には、光は小さな光源（太陽）から発せられるため、硬い影が生まれます。曇りの日には、光は雲によって拡散されるため、あらゆる方向から来るため、影はほとんど、あるいは全くありません。写真やビデオ撮影の世界では、ハードライトとは、例えば裸のフラッシュのような小さな光源から発せられる光であり、ソフトライトとは、フラッシュの前に大きなディフューザー（またはソフトボックス）を置いたときに得られる光です。

光の位置は、シルエットを作ったり、被写体を背景から分離させたり、背景自体を照らしたりと、写真に様々な変化をもたらします。光の位置が画像の印象に及ぼす影響を説明するために、ストライバー氏はカメラに内蔵されたフラッシュを例に挙げます。フラッシュは、イベントでの一瞬の出来事やパパラッチのショットをすぐに思い起こさせます。もしフラッシュをカメラから離し、例えば伸ばした腕の先に持ったとしたら、同じ写真でも全く異なる印象が生まれます。

光の強さは光の明るさに関係しており、画像においては自然な雰囲気を演出したいのか、それとも意図的に照明を当てたように見せたいのかを左右します。ホビー氏は、光の強さを調整することに料理の比喩を当てはめています。「スープを味見します。『もう少し塩が足りない』と思うでしょう。そして、塩を加えます。唯一の違いは、照明の場合、塩を入れすぎたとしても簡単に取り除くことができるということです。」

テイラー氏によると、私たちの視覚システムのほとんどは色ではなく、明るさと陰影に基づいているという。「私たちは気づかないうちに白黒で見ているのです」。テイラー氏は、鹿の斑点やトラの縞模様を例に挙げる。これらは色で見るとそれほど目立たないように見えるが、白黒で見る他の動物にとっては、明度という点で見事なカモフラージュとなる。テイラー氏は、色は目に錯覚を与え、画像が実際よりも明るく見えるようにすることがある点に注意を促している。そのため、彼はまず白黒画像の明度を編集し、その後で色に合わせて編集することで、色が目にとって誤った明るさの感覚を与えないようにしている。

照明設備を構築する

照明スパイスラックはすぐに散らかってしまうので、プロは照明を段階的に構築していきます。「最初の光源は『キーライト』と呼ばれるものです」とポールは言います。最初のライトを配置する場所を決めたら、反対側に「フィルライト」を配置します。多くの場合、フィルライトはキーライトほど明るくありません。ポールによると、これにより被写体がより立体的に見え、キーライトよりも少し暗いフィルライトを使用することで、明暗のグラデーションが生まれるそうです。

ホビー氏によると、この2つのライトを組み合わせることで、画像内の影の「見やすさ」を自由に調整できるという。「カメラでシーンを人間の目で見たのとほぼ同じように捉えることができる、というのはまさにこのことです」とホビー氏は語る。

キーライトとフィルライトを配置したら、3つ目のライトでさらに奥行き感を加えることができます。「3つ目のライトは、商品のバックライトとして使ったり、背景を浮かび上がらせたり、被写体を背景から切り離したりすることができます」とポールは言います。被写体を背景から切り離すライトは「ヘアライト」または「リムライト」と呼ばれます。被写体の髪や体全体に光の輪を作り、被写体を際立たせるからです。「3つのライトを使うと、本当に面白くなります」とテイラーは言います。

気分と感情を調節する

光の質、位置、そして強さは、撮影の技術的なバランスと視覚的なインパクトに貢献しますが、これら3つの要素が組み合わさることで、より目に見えない4つ目の要素、つまり感情が生まれます。「スタジオでは、ムードを演出するために、影に入る光を非常に注意深くコントロールします」とテイラー氏は言います。「影に少し青い光を入れたり、少し赤い光を入れたり、少しニュートラルな光を入れたりします。あるいは、ネガティブフィルと呼ばれる方法で影から光を吸い取り、意図的に影を暗くすることもあります。」影を深くすることで、画像にドラマチックで神秘的な雰囲気が生まれます。

望ましい感情効果を生み出す要素は科学と物理学に根ざしていますが、最終的にはクリエイターの個人的な好みに帰着します。テイラーはカメラを4Kモニターに接続して撮影します。これにより得られる詳細な情報から、適切な雰囲気と感情を表現できているかどうかをすぐに判断できます。「私は測定値に基づいて照明を決めるのではなく、感情的な反応に基づいて照明を決めます」と彼は言います。「そして、プレビュー画像を見ることで初めて、感情的な反応が正しいかどうかが分かります。」

カメラをモニターに接続できない場合は、カメラのディスプレイで画像を確認しながら照明を調整してみましょう。あるいは、Wi-Fi経由でカメラをスマートフォンと同期させれば、少し大きめの画面でテスト撮影した画像を確認できるので、周りの人に確認してもらうのも簡単です。ソースの味見をして、塩加減を決めるスプーンのようなものだと考えてみてください。

「あなたは創造者です。芸術は主観的なものです。そして、もしあなたがそれを気に入っているなら、それが一番大切なのです」とポールは言います。

具体的な製品の推奨事項については、 写真およびビデオ ライトの購入ガイドをご覧ください。