テイト・タワーズがU2、レディー・ガガ、テイラー・スウィフトのライブショーをいかに構築するか

2016年12月、デザイナーのリック・リプソンはニューヨークで、ボノ、ジ・エッジ、アダム・クレイトン、ラリー・マレン・ジュニアとの電話会議を行っていた。リプソンはロンドンを拠点とするデザイン会社Stufishのシニアアソシエイトで、同社はU2のセットデザイナーであるウィリー・ウィリアムズと共に、1992年の『Zoo TV』以来、バンドのすべてのツアーを手掛けてきた。2016年10月、U2はカリフォルニア州デイリーシティにある旧ジュネーバ・ドライブイン・シアターの跡地で、ソフトウェア大手セールスフォースの年次カンファレンスに出演した。ジュネーバへのオマージュとして、ステージには映画スクリーンが設置されているだけで、他にはほとんど何もなかった。

バンドは2017年の『ヨシュア・トゥリー』アニバーサリーツアーでも同じようなものを望んでいた。4人のミュージシャンがスタフィッシュとウィリアムズから提案されたデザイン案に目を通していると、ボノがシャーピーを手に取り、スクリーンの上からヨシュア・トゥリーが突き出る大まかな輪郭を描いた。「ステージに映るのはこれだ」と彼はリプソンに言った。

ロックスターがステージショーの構想を練る時、リプソンやウィリアムズのようなデザイナーにとっては常に難しい局面を迎えます。スタジアムツアーを構想から初日まで実現させるには、数千万ドルもの費用がかかります。ショーの設計、構築、組み立て、マーケティング、販売には数千人もの人材が必要です。必要な技術は未だに存在しない場合も多いのです。

今回の舞台デザインは当初、シンプルに見えた。幅61メートル、高さ14メートルの8K LEDビデオスクリーンが金色に塗られ、銀色でジョシュアツリーのシルエットが浮かび上がっているだけだった。ショーの後半では、写真家兼監督のアントン・コービンが撮影した壮大なアメリカの風景が高解像度でスクリーンに映し出される。さらに、観客席まで伸びる木の形をしたキャットウォークとサテライトステージ、そしてステージ上空高く吊り下げられた照明とスピーカーを支える鉄製のトラスも設置される予定だった。

しかし、このコンセプトを実現するには、少なくとも3つの世界初の機器のプロトタイプが必要だった。CCTVシステムを使用して演奏者を追跡するビデオ制御のフォロースポットライト、最先端のカーボンファイバー製ビデオスクリーン（ピクセル間隔がわずか8.5mmで、コンサートツアーで使用された中で最大かつ最高の解像度）、そしてオーディオ専門メーカーのクレア・ブラザーズ製のプロトタイプスピーカーだ。このスピーカーは非常にパワフルで、最大のスタジアムでも音を満たすのに16個のスピーカーしか必要としない。さらに、さまざまな技術基準と安全基準を満たす必要があるため、ステージの設置と撤去には3日かかるため、例えばバンドがロンドンのステージに上がるときにベルリンで1組の鉄製支柱を製作するなど、同時に2組の鉄製支柱を世界中を移動する必要があった。

「その時点では、キットがどうなるか全く分かっていませんでした。5月のツアー開始までに、実現寸前の技術が開発されるという希望だけはありました」とリプソンは語る。「でも、ロックスターは問題を聞きたくありません。私たちの仕事は『それは不可能だ』と言うことではなく、『もちろんです』と言うことなのです。」

ボノのツリーをスケッチからスタジアムに仕上げるため、スタフィッシュとバンドはペンシルベニア州の田舎町リティッツへと移動した。リティッツには、建築エンジニアリングとソフトウェアを手掛けるテイト・タワーズがある。同社は、ロックンロールのエンジニアリングとテクノロジー、そしてアーミッシュ・コミュニティの協力を融合させ、史上最も興行収入の高いツアー10本のセットを全て手掛けてきた。

1968年、マイケル・テイトという名の若いオーストラリア人バックパッカーが、ロンドンのオックスフォード・ストリートからすぐの、深夜の音楽業界のたまり場、スピークイージー・クラブでバーテンダーとして働き始めました。このクラブは、かの悪名高いクレイ兄弟の友人が経営していました。音楽業界でキャリアを築きたい人にとって、スピークイージーに入ること、そして何よりもそこで演奏することが、スターダムへの近道でした。1978年に閉店するまでは。ビートルズ、デヴィッド・ボウイ、ボブ・マーリー、ピンク・フロイド、ローリング・ストーンズ、エルトン・ジョン、ジミ・ヘンドリックスなどが、この薄汚いステージを華麗に彩りました。

プログレッシブロックの新人バンド、イエスのマネージャーが、リーズでのライブにメンバーを送迎するバンの運転手を夜通し募集していた時、テイトは自ら進んで手を挙げた。バンドの機材と照明の粗雑さに彼は愕然とした。ギタリストのピーター・バンクスがエフェクターを踏みつけ、ほぼ毎回壊していたのだ。「これで全部うまくやれるって気づいたんだ」と彼は説明する。テイトはその後15年間、イエスのツアーマネージャー、サウンドエンジニア、そして照明デザイナーとして活躍した。

ツアー中、彼は子供の頃から電気回路キット、電池、電球に熱中していたことを活かし、ワウペダルやファズボックスを踏みつけから守るエッジボードを考案したり、ロック界初の回転ステージを作ったり、世界初の独立型照明タワーを設計したりした。他のアーティストも彼のアイデアに感銘を受け、やがてバリー・マニロウやニール・ダイアモンドと仕事をするようになった。

「いつの間にか、舞台装置ビジネスに携わっていたんです」とテイトは説明する。1978年、彼は業界で名高い照明塔にちなんでテイトタワーズ社を設立し、親しい協力者であるクレア兄弟の近く、リティッツに本社を構えた。

クレア兄弟（ロイとジーン）は、1966年、フランキー・ヴァリとフォー・シーズンズがリティッツ近郊のランカスターにあるフランクリン＆マーシャル大学で演奏した際に、最初のスピーカーを製作しました。ロイとジーンのPAシステムはバンドに非常に感銘を与え、ヴァリは彼らをツアーに同行させました。1970年、兄弟は最初のステージモニターを設計・製作し、2年後には屋内アリーナ用の最初の吊り下げ式サウンドシステムを開発しました。1978年までに、クレア兄弟はツアーに出るバンドにとって最初の頼みの綱となりました。彼らはリティッツを離れる理由がないため、テイトは近くに拠点を構えました。

80年代、テイトはマイケル・ジャクソンがムーンウォークしたステージや、ブルース・スプリングスティーン、U2の舞台装置を製作しました。また、1994年にはローリング・ストーンズの記録破りの「ブードゥー・ラウンジ」ツアーのステージ、 1998年にはジャネット・ジャクソンの「ベルベット・ロープ」ツアーのビデオスクリーンも製作しました。「当時でも、どちらかといえば趣味のようなものでした」と、テイトの社長兼CEOであるジェームズ・フェアロス氏は説明します。フェアロス氏は、ゆるいポニーテールが特徴で、誰もが「ウィンキー」の愛称で知られています。「マイケル・テイトはウィリー・ウォンカで、私たちは夢のような工場で働いていました。誰もやっていないからこそ、舞台装置を製作していたのです。」

そして 1999 年になり、ファイル共有サイト Napster が立ち上げられ、テイトの世界は一夜にして変化しました。

プリンストン大学の経済学者で、2005年の論文『ロックノミクス：ポピュラー音楽の経済学』の共著者でもあるアラン・クルーガー氏は、ナップスター後の音楽業界を「ボウイ理論」と呼ぶ理論を用いて解説しています。クルーガー氏によると、80年代と90年代には、ほとんどのアーティストが最新アルバムのプロモーションとしてツアーを利用し、音楽の売上で収益の大部分を稼いでいました。U2はアルバム『ヨシュア・トゥリー』をリリースした年に1,400万枚を売り上げ、アメリカで約3,700万ドル（2,800万ポンド）の収益を上げました。オリジナルの111公演の『ヨシュア・トゥリー』ツアーの収益は、ほぼ同額の4,000万ドルでした。

ナップスター以降、レコード収入とライブ収入のつながりは断たれてしまった。これは、2002年にデヴィッド・ボウイがニューヨーク・タイムズ紙に語った「音楽そのものが水道や電気のようになるだろう。アーティストはツアーを頻繁に行う覚悟をしておいた方がいい。なぜなら、今後残される唯一の特異な状況は、ツアーだからだ」という発言からも明らかだ。

クリスピン・ハントも同意見だ。彼は90年代にブリットポップバンド、ロングピッグスのボーカルとして、インディーズ時代のアンセム「シー・セッド」で知られる一時期、一世を風靡した。バンド解散後はソングライターとして成功し、ラナ・デル・レイ、エリー・ゴールディング、フローレンス・アンド・ザ・マシーン、ジェイク・バグ、ロッド・スチュワートといったアーティストのヒット曲を手掛けた。「それで生計を立てている」と彼は説明するが、ナップスター後のストリーミングサービスやオンライン動画の世界は、ソングライターに報いていない。

「もし僕が80年代や90年代に同じチャートの順位にランクインした曲を書いていたら、今頃君たちに話すこともなかっただろう」と彼は苦笑いした。ロサンゼルスのプールサイドで過ごしていたら、きっとそうだっただろう。でも、Spotifyが1再生あたり平均0.006ドルから0.008ドルを支払っていること、そしてYouTubeのロイヤリティが秘密にされていることを考えれば、そんなことは想像もできない。最近、私の曲がBBCラジオ1のCリストに載ったんだ​​。つまり、週に6回再生されているってこと。同じ週に、私が書いたジェイク・バグの曲はYouTubeで1200万回再生された。ラジオ1での6回再生で75ポンド、YouTubeでの1200万回再生で65ポンドの収入があった。お金を稼ぐ唯一の方法は、2000席以上の会場を完売させることだ。どんなツアーでも、どんなライブでも、どんな規模のバンドでも、交通費、クルー費用、PA費用といった基本的な運営費はかかる。2000枚以上のチケットを売らなければ、赤字になる。

全米レコード協会（RIAA）によると、世界最大の音楽市場である米国におけるレコード音楽の売上高は、1999年にはインフレ調整後で206億ドルに達しました。2015年には、監査法人PwCの推定によると、レコード音楽による世界の音楽業界の収益は、販売・ストリーミング配信を問わず、合計約150億ドルでした。同時期に、ライブツアー業界はシリコンバレー以外では稀に見る急成長を遂げ、米国のコンサートチケット売上高は1999年から2009年の間に3倍に増加しました。2016年には、ライブ音楽のチケット売上高は年間250億ドル以上、スポンサー収入は50億ドルに達しました。これは、レコード音楽の世界売上高の約2倍、アイスランドのGDPを上回る額です。

アーティストにとって、その違いは顕著だ。U2のアルバム売上は『ヨシュア・トゥリー』以降、減少傾向にある。1991年の『アクトン・ベイビー』の800万枚から、2009年の『ノー・ライン・オン・ザ・ホライゾン』の340万枚まで下落した。一方、チケット売上は増加傾向にある。1992年から1993年にかけて『アクトン・ベイビー』と『ズーロパ』のサポートツアーとして行われた『ズーTV』ツアーは、興行収入が1億5100万ドルを超え、2009年から2011年にかけての『360°ツアー』は記録破りの7億3600万ドルを売り上げた。『ヨシュア・トゥリー』の2017年のツアーは、公演日数が『360°ツアー』の半分以下だが、初月で6200万ドルを売り上げた。

「ライブミュージックは、映画、ボックスセット、レストラン、ナイトクラブ、テーマパークと同じエンターテイメントの収益を競っています」とウィンキーは説明する。「競争するためにショーはスペクタクルにならざるを得ませんでしたが、ファンとスターの関係は非常に親密です。私たちの課題は、何万人もの観客をどう魅了するかです。ホールの後ろの席に座っていたとしても、アーティストの演奏をいかに親密でパーソナルな形で届けられるかです。そうでなければ、二度と戻ってきてくれないでしょう。」

人口約1万人のリティッツは、なだらかな小麦畑と酪農牧場の真ん中に位置する小さな市場町です。町の大部分は20世紀以前に建設されたもので、木造のコロニアル様式の家屋、リージェンシー時代の古典的な石造りの建物、ゴシック様式のビクトリア朝様式の赤レンガ造りの商店、そして改装された倉庫などが混在しています。

ランカスター郡周辺は、アメリカで最もアーミッシュ（現代のテクノロジーや利便性を拒絶するアナバプテスト派）の人口密度が高い地域です。フィラデルフィアからリティッツへ車で向かうと、四輪の小型で箱型の馬車が点在する道路を目にします。黒い馬車はアーミッシュのもので、灰色の馬車はよりハイテクに精通したメノナイト派のものです。

どちらのコミュニティも、テイト本社のある町外れのロック・リティッツ工業団地から広がる、テクノロジー中心のエコシステムの重要な一部です。2014年にテイトとクレア・ブラザーズが建設した広大なキャンパスには、参加を希望する企業が集まっています。トロント大学のリチャード・フロリダ教授はこれを「場所に基づくエコシステム」と呼んでいます。テイトとクレア以外にも、照明・デザイン会社のアトミック、映像専門のコントロール・フリーク、バリアフリー会社のモジョ、U2の360°ツアーで使用されたクローなどの大型鉄骨構造物を製作するステージコ、エンジニアリング会社のパイロテック、ヤマハの楽器、楽器レンタル会社のツアー・サプライなどが入居しています。

これはまさに、真の意味でのクラスター・イノベーションです。アーティストや企業は、低コストで実験を行い、アイデアを検証し、迅速に考えを変えることができます。失敗のコストが削減されるため、人々はより大きなリスクを取ることができます。また、近接性は人々を結びつけます。「このビジネスでも、他のビジネスと同じように、成功の鍵は人間関係です」と、クレア・グローバルの社長兼CEOであるトロイ・クレア氏は説明します。「人々と知り合い、共に仕事をすることで、彼らはあなたを信頼してくれるのです。」

技術革新を基盤とするこの企業は、アーミッシュ・カントリーの中心部に位置するだけでなく、原点回帰の精神と経済と完全に共生しています。農業サプライチェーンと小規模な金属加工工場のネットワークにより、テイトのデザイナーや建築家はあらゆるものを作ることができます。例えば、鋼鉄製の牛用柵を作るメノナイトの会社は、テイトのロックショーの金属支柱も切断しています。

「近所の人たちはみんなアーミッシュなんです」と、テイトのチーフ・クリエイティブ・オフィサー、アダム・デイビスは説明する。40代後半で、髪をボサボサに伸ばした情熱的な男性だ。「農家で何かを壊したら、直さなきゃいけない。特にコンピューター制御のコンバインではなく、昔ながらの道具を使っているならなおさらだ。だから、創造的な問題解決に関しては、アーミッシュの人たちは達人だ。彼らはただやり遂げる。アーミッシュの農場はすべて企業体で、イノベーションとものづくりの素晴らしい文化がある。これは他の地域ではなかなか見られない。ショーデザイナーが何かを作りたいと言えば、15分以内に自社の製鉄所で特注の形状とサイズの試作品を製作する。それからアーミッシュの鍛冶場へ行けば、ほぼ一晩で1万個も作ってくれるんだ」

ロック・リティッツは、まるでNASAのケープカナベラルのような雰囲気で、巨大なロケット組立室のような倉庫を囲むように建造物が点在しています。中に入ると、まるでターディスに入ったような気分を一瞬で味わうことができます。中に入ると、さらに広く感じられます。スタジアムステージ1つ、またはアリーナステージ2つを収容できる広さがあり、建物を増築したり変更したりすることも可能です。

テイトの本社ビルは、組立・リハーサル室から車ですぐのところにあります。23万2000平方メートルの広さを誇るその建物には、設計室、プロジェクト管理室、金属加工室、電気制御室、ホイスト・ウインチ部門、LEDビデオスクリーンチーム、舞台装置部門、印刷工場、そして複合的な荷積み場が備えられています。まるでビクトリア朝時代の家族経営企業を彷彿とさせます。梱包作業員や荷積み作業員に至るまで、全員が社内で雇用されており、外注はアーミッシュの職人のみ。「私たちが作るものはすべてプロトタイプです」と、リハーサル室と本社の間にある広大な空間を車で走りながら、デイビスは説明します。 U2、ケイティ・ペリー、テイラー・スウィフト…彼らは自分たちのブランドのCEOです。ジャスティン・ビーバーやローリング・ストーンズが昨年持っていたものと同じものを求めているわけではありません。彼らは真新しいものを求めています。つまり、私たちは壮大な軍拡競争の中にいるのです。外から見ると楽しいかもしれませんが、実際にはかなり恐ろしい状況です。なぜなら、私たちは毎日自分自身を改革し、次のレベルに進むために何か新しいものを生み出さなければならないからです。特に空を飛ぶような大きなものに関しては、失敗は許されないという認識のもとで。人が怪我をするかもしれないので、失敗は許されないのです。

テイラー・スウィフト、アッシャー、マムフォード・アンド・サンズ、U2、レディー・ガガなどがオープン以来、ここでショーを企画・リハーサルしてきた。「この場所の良いところは、リハーサル後に街へ出ても、アーミッシュの人たちは彼らが誰なのか知らないということです」とデイビスは笑う。「クライアントの前に出て、初めて何かをテストするのにうんざりしていたので、完璧なテクノロジー系スペースが欲しかったんです。問題は、それをするのに十分な広さのスペースがなかったことです。そこで、自分たちで、テクノロジー系の人々のためにこの場所を作ったんです。でも、アーティストたちがバンド、振付師、照明、パイロ、音響、オートメーション、ステージング、コンテンツ…みんなここに来て、クリエイティブなプロセスがここで生まれるんです。」

リティッツは、創造性、建設、工芸、コミュニティ、そしてコンピューティングを融合させた、数十億ドル規模のグローバルなブティック型職人技術企業という興味深いケーススタディを提示しています。例えば、レディー・ガガなら、この建物のドアを開けてすぐに、デザインから構築、リハーサル、そして搬出まで、この一つの場所で自分のコンセプトを貫くことができるでしょう。まさに彼女が2017年のツアー『ジョアン』で行ったことです。

レディー・ガガのショーは、その壮観さで知られています。2012年の「Born This Way」ツアーでは、テイトにステージ上に5階建ての城を建てさせました。今回のショーの最終デザインは、LEDパネルに囲まれた3基のリフトと5基のパフォーマー用ウェーブリフトを中心とした幅26メートルのステージです。ウェーブリフトは動くプラットフォームで、様々な形状に組み立てられることからテトリスのブロックに例えられます。ウェーブリフトは階段状やジグザグ状など、ほぼ絶え間なく動き続けます。これは素晴らしいショーでしたが、ガガが求めていたダイブバーのような親密さが欠けていました。そこで、アリーナの反対側に、簡素なダイブバー風のBステージを設置するという解決策が生まれました。

テイト・シアターのプロジェクトマネージャー兼インテグレーターであるジム・シャムウェイは、シルク・ドゥ・ソレイユのリガーとしてキャリアをスタートさせ、ジョアンヌ・ツアー開始の1ヶ月前にそのプロセスを説明してくれた。舞台デザイナーたちは3画面のモニターでアニメーションソフトを操作し、照明と音響が組み込まれた後、舞台の各部を変更していた。あるデザイナーは、空中に浮かんでいるように見える奇妙な楕円形の円盤を操作していた。

「あれは橋なんです」とシャムウェイは説明した。「Bステージにはハート型のアクリルピアノがあって、彼女が鍵盤を弾くたびに44個のレーザー光線がアリーナに発射されるんです。彼女は橋を渡ってそこへ行かないといけないんです。結局、その橋の上で踊っているのは5人いるはずなんですが、ショーの残りの時間はどこか別の場所で踊らないといけないんです。いつもやっているように不可能なことと、達成不可能なことが一つあります。しばらくの間、これは達成不可能だと思っていました」

解決策は、観客席上空18メートルに吊り下げられた特注のインフレータブル照明ポッド3基。看板のようなビデオスクリーンが設置されている。各ポッドは下降して橋に変形し、メインステージ周辺に点在する3つのサテライトステージのいずれかに到達できる。キャットウォークを形成することで、Bステージまで届く。橋はレディー・ガガとダンサーたちを乗せながら観客席上空を飛び出し、照明、リフト、音楽と同期する。不可能に思えるかもしれないが、テイト独自のソフトウェア「Navigator」は「数学を芸術に変える」とシュムウェイ氏は言う。

Navigatorは、あらゆるインターフェース、システム、デバイスを制御するために設計された柔軟な自動化ソフトウェアです。工場ロボットから照明や音響のデスク、そしてGagaを空中で動かすウインチや滑車まで、あらゆるデバイスを制御できます。工場ロボットの操作に使用されるような自動化ソフトウェアは、シンプルさと反復性によって信頼性を確保しています。Shuman氏によると、Navigatorは極めて柔軟で、かつ絶対的な信頼性を備えていなければなりません。なぜなら、故障すれば誰かが亡くなる可能性があるからです。同時に、Navigatorは技術的な訓練をほとんど受けていない、あるいは全く受けていない人々によって操作されることも少なくありません。

「ほとんどの場合、Navigator の動作を決定するのはエンジニアや開発者ではなく、ディレクターやアーティストのために働く人たちです」と、Tait のエンジニアリング担当副社長、ジム・ラブ氏は説明する。「彼らはクリエイティブな人の要望を即座に解釈します。そのため、基本的なプログラミングは可能な限り直感的でシンプルに行う必要がありますが、同時にシステムがユーザーを無謀な行動から守ってくれる必要があります。」

2013年、ナビゲーターは工場のフロアで自動車を組み立てるために設計された2本の産業用ロボットアームを同期させ、デッドマウスのラスベガス公演でダンスを披露しました。2015年には、テイラー・スウィフトのステージ前方に設置されたキャットウォークを持ち上げ、スウィフトとダンサーチームを観客の頭上まで飛ばしました。2016年には、レッド・ホット・チリ・ペッパーズの「ゲッタウェイ」ツアー上空に、巨大なキネティックライトインスタレーションを設置し、波紋や振動パターンを演出しました。

ゲッタウェイツアーのライトの波模様を作成するにあたり、デザイナーたちはアニメーション化された波の動画ファイルをNavigatorにエクスポートしました。Navigatorはこれを手がかりに、テイトのナノウィンチを操作し、各ライトの色と位置を変更しました。オペレーターは開始時に「Go」ボタンを押すだけで、あとはNavigatorが自動で操作します。

Navigatorのルーツは、80年代のシンセサイザーと、ブロードウェイやラスベガスのショーの技術的要求にあります。1983年、シンセサイザーメーカーは簡素化された共通言語であるMIDIの策定に合意しました。これにより、ドラムマシンでベースラインをスタートさせたり、キーボード1つでオーケストラをコントロールしたりすることが可能になりました。劇場でもその原理が取り入れられ、花火を打ち上げるなどのタスクをトリガーするキューを送信できるようになりました。

ナビゲーターも同様の原理を採用しています。システムの構成要素は15年前、Intelのx86デスクトップCPUとリアルタイムOSを搭載したハードウェアを用いて構築されました。これは、自動運転車の設計に用いられるフライバイワイヤレスシステムと似た構成です。ナビゲーターは、工場のロボットアームなど、元のコーディングに関係なく、あらゆるデバイスと通信できます。そして、照明装置と同期させ、インターフェースを簡素化することで、誰でも操作できるものにします。

「アーキテクチャの基本原理は変わっていませんが、モジュール式のプラットフォームなので、その上にあらゆるものを構築できます」とラブ氏は説明する。「機械学習、自動運転車制御、気象測定モジュールなどが組み込まれています。過去15年間、私たちが行ってきたのは、このシステムをさらに強力にする新しいモジュールの開発だけです。このシステムは、私たちが指示したすべてのことを記憶しています。」

例えば、最近中国に建設されたテーマパークでは、Navigatorが噴水を制御し、柱から柱へと水滴を飛ばして跳ねているような錯覚を演出しています。Navigatorには噴水の向きを認識するモジュールが搭載されており、天候に関わらず噴水が目標地点に向くように設置するのは比較的簡単でした。レディー・ガガのテーマパークでNavigatorを設置するのも同様に簡単で、必要なモジュールはほんのわずかでした。36,000kgのメインウェーブリフト2基と小型リフト3基を製作し、ショーの振り付けと連動させる作業の方が時間がかかりました。

ラブ氏によると、ナビゲーターの成功の鍵は、コーダーの拠点であるコロラド州ボルダーにあるという。「コードを書いている時に、一番困るのは、プロジェクトデザイナーが肩越しに見て、彼らの問題を解決するように頼んできたことです」と彼は説明する。「そうなると、長期的な解決策を構築するよりも、常に短期的な問題に対処しなければならないことになります。」

大規模なツアーステージの軌跡をタイムラプス映像で見てみると、ほぼすべてのパーツが常に動いているのがわかるでしょう。その間、短い静止状態が挟まれています。「ライブでご覧いただくのは、セットが静止したまま立っている一瞬だけです」と、汗ばむ7月の日曜日、トゥイッケナム・スタジアムに観客が列をなして入場する中、StufishのCEO、レイ・ウィンクラー氏は説明します。「セットの寿命のほとんどは、箱に入った状態でトラックや飛行機、船に積まれ、南米やヨーロッパの舞台係によって扱われてきました。これがセットの唯一の休息時間であり、皆さんが目にするのはこの瞬間なのです。」

さらに細かく見ていくと、アーティスト・マネージャーがスタフィッシュとテイトに抱く最大の疑問は、「インスタグラム・モーメントとは何か？」だ。かつてツアーはアルバムを売るためのツールだったが、インスタグラムはツアーを売り込み、最終的にはアーティストのブランドを売るためのツールだ。2016年のニールセンの調査によると、コンサート中にソーシャルメディアを利用した観客のうち、83%がインスタグラムを利用していた。つまり、すべては、送信、共有、コピー、そして「いいね！」される、数枚の静止画像に集約されるのだ。

『ヨシュア・トゥリー』ツアーでは、U2のパフォーマンスは二部構成だった。前半は、スタジアムを埋め尽くした数千人の中年男性を太陽が照りつける中、バンドは低いキャットウォークのあるBステージで「サンデー・ブラッディ・サンデー」などの初期のヒット曲を演奏した。日が沈むと、4人のミュージシャンはメインステージに戻り、『ヨシュア・トゥリー』の曲を演奏し始め、ステージ中央で少しの間立ち止まって観客に手を振った。彼らの背後では、スクリーンが血のように赤く輝き、真っ黒な木の影の下に、彼らのシルエットが映し出された。

「バンドにポーズをとらせたんだ」とリプソンは言う。「テイトが台を作って、完璧なポジションになるまで1日ほど試行錯誤した。それから30秒間そこで待つように指示したんだ」。それが功を奏した。観客はジャスティン・ビーバーのライブに来た10代の少女のように歓声を上げ、スマートフォンを高く掲げて次々と写真を撮り、何百万回もシェアされた。ツアーの模様はソーシャルメディアを通じて何十億もの人々に届けられた。あの恍惚とした沈黙、ライブアルバムのジャケット写真のようなショットは、もはやアルバムカバーを必要としない。

これはゆっくりと、劇場やその他の建物の設計方法に影響を与えています。テイトは、レッド・ホット・チリ・ペッパーズの「ゲッタウェイ」ツアーで使用されたキネティック・アーキテクチャーを空港のインスタレーションとして提案し、ライブショーに関する専門知識を活かして、ロンドン最新の劇場、ブリッジ・シアターを建設しました。この劇場は、元ナショナル・シアター芸術監督のニック・ハイトナーとエグゼクティブ・ディレクターのニック・スター率いるロンドン・シアター・カンパニーのために、これまでにないモジュール式コンセプトを採用しています。

「私たちが扱うこの技術は、拡張性と移転可能性を備えていなければなりません」とウィンクラー氏は言う。「ポップカルチャーとポップなイメージは、私たちの世代の通貨です。ロックンロールのステージでも駅でも、人々は同じフォーマットで写真を撮ります。空港のターミナルでもビデオスクリーンでも。それが彼らの商売なのです。インスタグラムで見栄えが悪ければ、誰も気にしません。」

ウィンクラー氏の言う通り、完璧な写真との繋がりを求めるトレンドが、オフラインのアート、建築、食、そして友情の場においても中心的な位置を占め続けるならば、私たちはまもなく、あらゆるデザインにおいてテイトが描くインスタグラムの瞬間の世界に浸ることになるだろう。その世界では、ボノが木を描けば、世界中の何百万もの人々がそれをシェアするかもしれない。

スティーブン・アームストロングはフリーランスライターです。彼はWIRED Securityのイベントについて12.17号で執筆しました。

この記事はWIRED UKで最初に公開されました。